Brunelleschi
Filippo
Nació el 15 de abril de 1377 en Florencia, donde recibió formación como orfebre.
En
el año 1401 participó en el concurso para el diseño de las puertas de bronce
del baptisterio de su ciudad, pero no resultó elegido. Conoce a Donatello, de
quien llegó a ser amigo íntimo y al que debe su afición a la escultura y con el
que viaja a Roma, donde estudia los monumentos de la Antigüedad clásica.
Posteriormente,
se dedica a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la
cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto
consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro
de otra. Gracias a esta disposición, los esfuerzos quedaban repartidos junto
con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de
cúpula durante varios siglos. Su estructura inicial contaba con ocho nervios
que sirven de apoyo para el resto de los elementos decorativos.
Desarrolló
otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el
Hospital de los Inocentes (1421-1455). Al final de su carrera, proyecta
edificios como la inacabada iglesia de Santa María degli Angeli (comenzada en
1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la Capilla Pazzi
(comenzada en 1441).
El
llamado padre del Renacimiento, falleció en Florencia el 16 de abril de 1446.
Duomo
La
Basílica de San Lorenzo es una basílica italiana de culto católico de la ciudad
de Florencia, ubicada en la Plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada
por Cosme de Médici al arquitecto Filippo Brunelleschi quien trabajo en su
construcción desde 1422 hasta 1470, fecha en la que asumió su construcción
Antonio Manetti; debido a la muerte del anterior.
ANÀLISIS
Está
inspirada en la Basílica de la Santa Cruz que es una iglesia gótica. Está
dividida en tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una
cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero ya que
esta es la capilla mayor.
Su
planta es de cruz latina con tres naves y capillas laterales, casi basilical,
extremadamente longitudinal, en cuyo crucero, de desarrollo escaso, se dispuso
una cúpula con linterna. El espacio quedó matemática y geométricamente modulado
por el círculo inscrito en un cuadrado, que actuó como medida de las
proporciones con referencia siempre a la figura humana. Se emplearon elementos
arquitectónicos muy armoniosos, que citan el mundo clásico a través de la
influencia de las primitivas basílicas cristianas, como, por ejemplo, la
techumbre de artesonado con casetones cuadrados en la nave central, el
entablamento corrido y los ricos capiteles corintios sobre columnas monolíticas
en esa nave central y sobre pilastras en las laterales. Brunelleschi empleó un
ritmo arquitectónico peculiar en la nave central que se inicia en la columna
como soporte, un trozo de entablamento decorado sobre el capitel compuesto y el
arco acanalado encima de él. Utilizó bóvedas vaídas en las naves laterales.
Este arquitecto jugó además con la alternancia del colorido para lograr el
dicromatismo propio de la arquitectura tradicional florentina. El módulo es el
cuadrado central que inscribe la cúpula y es igual en medida al de la capilla
central. Cada tramo de la nave central es la mitad del módulo y un cuarto de
módulo cada tramo de la nave lateral.
En
altura, la protagonista es la columna, así la altura de la nave central es el
doble de su ancho. En relación con las laterales, en anchura y altura son
iguales. La relación de altura entre los arcos que comunican la nave lateral
con las capillas laterales tiene una relación de 5/3.
La
luz proviene de las ventanas. Las bóvedas son vaídas en la nave lateral y los
óculos hacen que la luz aparezca más tenue. Las capillas son oscuras. En
conclusión, la gradación luminosa acentúa la perspectiva.
El
techo tiene casetones copiados del Panteón de Agripa. Pero también hay otros
muchos elementos clásicos como las pilastras, arcos, etc. También utiliza el
dicromatismo.
Hospital
De Los Inocentes
Fue
un orfanato de niños de Florencia, diseñado por Filippo Brunelleschi, quien
recibió el encargo en 1419. Está considerado un notable ejemplo de la
arquitectura del primer renacimiento italiano. El hospital, con una galería
frente a la Plaza de la Santísima Anunciara, fue construido y dirigido por el
"Arte de la Seta" o Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era
uno de los más ricos de la ciudad y como la mayor parte de las cofradías,
asumía obligaciones filantrópicas.
ANÀLISIS
El
diseño de Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma como
en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de
construcción bien conocido, como la Loggia dei Lanzi. Pero el uso de columnas
redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden compuesto
era una novedad, lo mismo que los arcos circulares y las cúpulas esféricas tras
ellas. Los elementos arquitectónicos estaban articulados en piedra gris que
destaca contra el blanco de las paredes. Este motivo se llegó a conocer como
pietra serena que significa piedra oscura. También era novedad la lógica
proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se
traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un
cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la
siguiente. Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un
importante elemento en la arquitectura renacentista.
En
el extremo izquierdo del pórtico está la ruota, un torno de piedra para meter
al niño en el edificio sin que se viera al padre. Esto permitía a la gente
abandonar a sus hijos anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato.
Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875. Hoy el
edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista.
Leon
Battista Alberti
El
italiano Leon Battista Alberti fue, además de arquitecto, el primer teórico del
arte del renacimiento.
Nació
en Génova el 14 de febrero de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una
rica familia de comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la
escuela de Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego,
matemáticas, ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura.
Tras
la muerte de su padre en 1421, sufrió problemas de tipo económico debido a las
diferencias con su familia. Por ello, decidió comenzar la carrera eclesiástica.
En 1432, se trasladó a Roma. Allí fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y
aprovechó la estancia para estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.
En
1434 se incorporó a corte papal establecida en Florencia. Se introdujo en los
ambientes humanísticos y culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos
artistas del momento como Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Alberti
comenzó a trabajar como arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras
las realizó para la familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están
considerados como los ejemplos más sobresalientes de la arquitectura
renacentista.
Destaca
más su actividad como teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los
elementos al detalle, pero nunca participaba en la construcción de sus
edificios.
Fachada
de la iglesia de Santa María Novella
ANÀLISIS
Realizada
en mármol, y considerada una obra insignia del renacimiento florentino. Alberti
es contratado por la familia Rucellai para finalizar el diseño y construcción
de esta fachada lo cual logra en el año de 1456. Tuvo que realizar un estudio
detallado sobre el estilo gótico usado por sus predecesores quienes ya habían
construido la mayor parte de la misma para de esa forma lograr combinar los
estilos usados de forma armónica mediante el uso del mármol blanco y verde como
material predominante. Se encargó del diseño de la puerta, frisos y también
participó de la parte estructural. Como elementos del diseño destaca el uso del
arco de medio punto, frontón clásico y uso de formas simples que a su parecer
incitaban a la reflexión religiosa.
Fachada
del Palacio de la familia Rucellai
ANÀLISIS
Obra
de la cual se hace cargo en el año de 1447, se encuentra basada en el opus
reticulatum romano, su fachada es plana y regular. Constituido por el uso de
planos los cuales están divididos por cornizas. Posee decoración exquisita con
elementos y símbolos pertenecientes a la familia propietaria como son plumas,
velas y anillos. En su primer nivel destaca el orden jónico diferenciándose del
superior en el cual decidió optar por el corinto lo cual se ha relacionado por
varios autores con el Coliseo Romano. Los materiales predominantes son la
piedra y el uso de mampostería de arenisca.
Donato
Bramante
Nació
en el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino. Su padre le inició en el
arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por
los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su
obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo,
realizados en el año 1477. En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera
como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San
Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo
en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la
iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle
Grazie (1492-1495), tiene influencia de Leon Battista Alberti y Leonardo da
Vinci.
Cuando
en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde
trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II.
Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio
1502, un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La
reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del
Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida. Donato
Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
Santa
Maria Della Pace
ANÀLISIS
Santa
Maria della Pace “Santa María de la Paz” es una de las iglesias de Roma, en el
rione Ponte, no lejos de la plaza Navona. Es un templo cardenalicio, que en la
actualidad ostenta el Arzobispo de Santiago de Chile. El edificio actual fue
construido sobre los cimientos de una iglesia preexistente, dedicada a
Sant'Andrea de Aquarizariis en 1482, encargada por el papa Sixto IV, quien
había hecho un voto. La iglesia fue consagrada a la Virgen María para recordar
el milagro de que manara sangre de una estatua de la Virgen en el año 1480.2 El
autor del diseño original se desconoce, aunque se ha propuesto a Baccio
Pontelli. En 1656-1667 el papa Alejandro VII hizo que Pietro da Cortona
restaurase el edificio, y añadió la famosa fachada barroca proyectándose desde
sus alas cóncavas: esto, ideado para simular un escenario teatral, tiene dos
órdenes y tiene un pronaos semicircular con columnas dóricas pareadas. La
iglesia empuja hacia afuera, casi llenando su pequeña plaza; varias casas
tuvieron que demolerse para que Pietro da Cortona crease incluso este pequeño
espacio en miniatura.
El
interior, que puede alcanzarse desde la puerta original del siglo XV, tiene una
nave corta con bóveda cruciforme y una tribuna sobrevolada por una cúpula.
Carlo Maderno diseñó el altar mayor (1614) para enmarcar la venerable imagen de
la Virgen y el Niño. Rafael comenzó a pintar las cuatro Sibilas recibiendo
instrucción angélica (1514) sobre la entrada con arco, que lleva a una capilla
interior, encargo de Agostino Chigi, el banquero papal.3 La Deposición sobre el
altar es obra de Cosimo Fancelli.
Basílica
de San Pedro
ANÀLISIS
La
construcción del edificio actual se inició el 18 de abril de 1506. El proyecto
fue encargado al arquitecto Donato d'Angelo Bramante, llegado poco antes desde
Milán, y que se había ganado la confianza del papa por encima del anterior
arquitecto, Giuliano da Sangallo. Incluso se encargó del diseño del Patio del
Belvedere. El proyecto consistía en un edificio con planta de cruz griega
inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor
tamaño y apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en la Basílica de San
Marcos, y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento.15 La
cúpula central, inspirada en la del Panteón de Agripa, se situaba sobre el
crucero, y las restantes en los ángulos. Esta idea quedó plasmada en una
medalla acuñada por Caradosso para conmemorar la colocación de la primera
piedra del templo el 18 de abril de 1506. En la construcción de la iglesia también
resultó importante la aplicación de los estudios teóricos de Francesco di
Giorgio, Filarete y, sobre todo, de Leonardo da Vinci, para iglesias de planta
centralizada, cuyos resultados están claramente inspirados en la planta
octogonal de la Catedral de Florencia.
Andrea
Palladio
Nació
en Padua, el 30 de Noviembre de 1508 en Maser, actual Italia, fue hijo de un
molinero y se formó como cantero, profesión que ejerció en Vicenza en su
juventud.
En
1537, un acontecimiento fortuito cambió su destino: el literato Gian Giorgio
Trissino le encargó la construcción de su villa en Cricoli, cerca de Vicenza,
lo introdujo en los ambientes culturales más selectos del Véneto y le impuso el
nombre de Palladio que significa sabio. Además, lo llevó consigo en una serie
de viajes, en particular a Roma que permitieron al artista entrar en contacto
con la obra de los mejores arquitectos vivos y estudiar, con una precisión casi
arqueológica, los edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas realizaciones
y el estudio del tratado de Serlio formaron su estilo, absolutamente
clasicista, pero muy innovador al mismo tiempo con respecto a lo que se hacía
por entonces.
Combinó
elementos del lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento
o de las necesidades funcionales de cada edificio y en este sentido se le puede
considerar como un arquitecto manierista. Al mismo tiempo compartió la búsqueda
renacentista de las proporciones armónicas, y sus fachadas se caracterizan por
una excepcional elegancia basada en la sencillez.
El
Palacio de la Razón o Basílica de Vicenza
ANÀLISIS
Posee
una planta rectangular, el piso bajo de orden dórico y el piso alto de orden
jónico. Con este edificio se inicia el “tramo rítmico palladiano”, que consiste
en inscribir un arco de medio punto con dos dinteles laterales apeados sobre
columnas.
En
esta obra manifiesta su filiación a la tratadíca de Serlio y su absoluto
dominio del lenguaje clasicista aprendido en sus viajes a Roma. Sin embargo
este lenguaje clasicista, nunca abandonado, desde este primer momento es
utilizado con una absoluta libertad y originalidad autónoma que le separa de
los debates manieristas.
La
Rotonda o Villa Capra
ANÀLISIS
En
la Rotonda, Palladio armoniza la naturaleza y el cálculo de proporciones de la
villa, con lo que consigue una auténtica obra maestra que, con sus cuatro
elegantes peristilos jónicos de acceso nos traslada al clasicismo más puro.
La
altura y la longitud del edificio están perfectamente delimitadas por un
sistema de proporción que deriva de Alberti y, en última instancia de Vitrubio.
Esta
combinación de cuadrado la planta y círculo la cúpula es característica del
Renacimiento, aunque como resultado final se obtiene, gracias a los pórticos,
la forma de cruz griega. El conjunto del edificio refleja simetría, perfección,
armonía, en definitiva, los parámetros del Renacimiento.
En
la cúpula, se representa la Religión, la Benignidad, la Moderación y la
Castidad, todo esto representado al lado del Pantocrátor, el cual ocupa en
centro de la representación.
Todos
los laterales tienen el mismo esquema por lo cual podemos hablar de una
simetría doble.
Además
la edificación fue rotada 45º con respecto a los puntos cardinales para que
cada estancia tuviera iluminación apropiada.
Planta
con forma de cruz griega
Sin
duda, la Villa Rotonda o Villa Capra se puede considerar como la obra más
destacada de la trayectoria artística del arquitecto Andrea Palladio.
Precisamente
la utilidad residencial y agrícola de la mansión ha hecho que todavía mantenga
un buen estado de conservación, aunque restaurada por su actual propietario, la
familia Valmarana.
El
estilo arquitectónico de construcción de la Villa Rotonda influyó en general en
la arquitectura neoclásica de los siglos XVIII – XIX, sobretodo y
posteriormente en Estados Unidos, donde muchas casas de gente o clase social
adinerada se construyeron de esa forma o semejantemente, como es el caso de la
propia Casa Blanca.
Intentando
conseguir la misma insolación en toda la casa, rotó la planta cuarenta y cinco
grados con respecto a los cuatro puntos cardinales.
Tanto
la disposición de la planta como la vista exterior son totalmente simétricas y
muestran una concordancia perfecta, las cuatro fachadas son iguales, tienen
exactamente las mismas proporciones y recuerdan a los templos de la Antigüedad
clásica con una escalinata y un peristilo jónico.
PINTURA
La
pintura posee varios tipos de composición, como por ejemplo geométrica. Las
temáticas que se manejan en este periodo es el paisaje, el desnudo mitológico,
el retrato y la religiosidad. Mientras en técnicas podemos ver que se hallan
los frescos, talla en madera, Fundición en metal y en óleo. Las pinturas son
realistas y maneja la perspectiva en ellas.
Mosaccio
El
primer gran pintor del renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre
era Tommaso Cassai, nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401.
En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará
más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello,
contemporáneos con los que comparte una visión artística renovadora,
estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi
adquiere el conocimiento de la proporción matemática. De Donatello adopta su
conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico.
Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura,
que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la
representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. La
obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte
florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.
Adoración
De Magos
ANÀLISIS
Se
utilizó témpera sobre madera. Se trata de una de las composiciones más
atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se incluyen, el recurso
del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde encontramos a la
Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán a autores de
posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla Francesca. Sus
figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran, distribuyéndose por el
espacio de manera acertada para crear el efecto de perspectiva. La luz resbala
por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los vestidos, reforzando el
incipiente naturalismo que encontramos en la imagen. Las dos figuras embozadas
que forman parte del cortejo podrían tratarse de retratos por su
individualización aunque no están identificados.
Bautismo
A Los Neófitos
ANÀLISIS
Técnica
de Fresco. Está inspirada en los Hechos de los Apóstoles y narra la conversión
al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones, eligiendo el
momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio unos 3.000. La
escena se desarrolla ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona
izquierda de la composición mientras que un joven desnudo se arrodilla en el
río para recibir el agua del bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo
que se cubre con los brazos para sofocar el frío siendo una de las mejores
figuras salidas de los pinceles de Masaccio al transmitir la sensación casi de
temblor de manera soberbia. Las figuras se integran en el espacio con absoluta perfección,
creando incluso un efecto de atmósfera al desdibujar los contornos de los
hombres del fondo. La iluminación empleada resalta el colorido y la volumetría
de los personajes, interesándose el maestro por la anatomía clásica, como vemos
en los desnudos.
Paolo
Uccello
Pintor
renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por
sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en
Florencia y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti.
En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos.
De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John
Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y
monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la
catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar
originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de
Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación
y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones
que realiza de la Batalla de San Romano , a fines de la década de 1440. En ellas destaca la
figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro
lado, éstas y otras obras como La cacería
reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo
en sus composiciones.
Batallla
De San Romano
ANÀLISIS
La
utilización de un tema que en principio parece exigir una representación
"naturalista", como pretexto para una investigación de índole casi
abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un
mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos
sensibles. Lanzas, cascos, caballos y soldados se disponen sobre la superficie
pictórica como datos previos de una ecuación matemática para cuya resolución se
hiciera necesario reducir a términos fijos un determinado número de variables.
Los caballos adquieren una dureza de cartón piedra, los contornos asumen una
rigidez cortante y ello, junto a la esplendente policromía -aquí y allá de
tonos planos y arbitrarios-, acaba por producir una atmósfera surreal. Quizá no
ande desencaminada la idea de Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí
un género nuevo de decoración mural inspirándose en los tapices o en los
trabajos de taracea, pero en éstas más que en cualesquier otras obras, lo que
se hace evidente es que Uccello se mueve en el campo de lo puramente mental y
no en el de las sensaciones.
La
luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone
entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino
como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.
Los
objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen
una función estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se
desarrolla toda la trama perspectiva del escenario.
El
Diluvio Y La Retirada De Las Aguas
ANÀLISIS
Las
dos escenas de la luneta parecen reagrupadas en una sola, con la perspectiva
que se pierde a lo lejos, en las aguas turbulentas, pero cada una de ellas
tiene un punto de fuga diferente, determinado por cada una de las dos caras
opuestas del arco. Su rigor de construcción, su riqueza cromática, sus
delicadas óptico-perspectivas, su amplitud, su audacia, diferencian claramente
esta escena de las góticas “Escenas del Génesis” en el mismo claustro. Parece
que se haya querido subrayar expresamente su individualidad dentro del interior
del gran ciclo del cual sin embargo forma parte. Ello fue seguramente una
elección deliberada de los comitentes, probablemente madurada después de una
pausa en la ejecución de los frescos.
Fra
Angelico
Fra
Angelico nacè en Roma en el año de1395 y muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas
se puede ver que se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y
bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la
composición y la firmeza de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores
decoristas y brillantes para representar muy bien los sentimientos
espirituales.
La
pintura del beato Angélico sorprende tanto por su calidad técnica como por la
profunda devoción religiosa que inspira.
La
anunciación
ANÀLISIS
La
pintura representa cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de Jesús por
medio de María, la virgen en primer plano y en segundo plano se ve a Adán y
Eva. Un rayo de Luz simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la
Cristiandad.
La
pintura tiene formato horizontal donde la línea visual parte desde la parte izquierda
hacia la derecha. Las formas son definidas por lo que se puede afirmar que son
cerradas. El esquema compositivo parece ser una L donde el equilibrio
compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la imagen de María y el
Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley de la compensación de
masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer plano. Utiliza colores
claros en la parte derecha un con oscuros en la izquierda.
La
coronación de la virgen
ANÀLISIS
El
cuadro representa el momento en el cual María es coronada por ser símbolo de la
virginidad, y los santos que se encuentran alrededor la admiran. El formato se
encuentra en vertical donde la tensión de la vista se centra en la parte superior,
cuyas formas son delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema compositivo
es un triángulo con equilibrio compositivo de peso por tamaño. Tiene simetría
axial. Las figuras resultan ser los santos, María y Jesús que es quien la
corona. Los colores utilizados son claros de maneras que se encuentra en el
cuadro bastante iluminación y contraste con los colores fríos con un poco de
los cálidos.
Sandro
Botticelli
Pintor
italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre
los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un
grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo
basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
En
1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el
círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de
Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La
primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.
Fue
toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran
de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas
con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las
obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme
complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.
A
la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y el
Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481 fuera
llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres
grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso
a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y
redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de
Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la
Divina Comedia de Dante.
Eclipsado
por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido
ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a
mediados del siglo XIX. Su estilo se
perpetuó
en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el
hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.
Nacimiento
De Venus
ANÀLISIS
El
nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El
nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano.
Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho por
172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Primavera
ANÀLISIS
La
composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la
diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades
y marca el eje.
Mientras
algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no
eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli:
figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas,
muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a
veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y
cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconográfica para la
representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del
Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el
grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las
figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de
colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la
anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica
recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso
parece emanar de los propios cuerpos.
La
composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical
para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los
personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici.
Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella.
Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por
la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio,
Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios
sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.
El
suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores
típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles
las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas
silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas;
por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas
y anémonas.
Andrea
Mantegna
Uno
de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, nace en el año 1431 en
una pequeña localidad del Véneto. De orígenes humildes, huérfano, criado por su
hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano, el
cual lo llevaría dentro de los círculos humanistas de Padua dándole una
formación clásica, visita Venecia y conoce las obras de: Donatello, Filippo
Lippi y Paolo Uccello.
A
los 17 años rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta,
recibiendo sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación,
llevándolo a uno de sus tantos viajes a Venecia, para casarse con una hija del
reconocido pintor Giovanni Bellini.
Pintor
de cámara en la corte de los Gonzaga en Mantua, dedicándose la mayor parte de
su vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos.
Tras
un breve periplo romano reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a
Mantua, donde se incorporaría al estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque
Francesco II Gonzaga, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del
momento. Por la presencia de nuevos artistas, decayó su situación económica
trayéndole problemas de salud, el cual en 1506 y a los 75 años de edad,
fallecería en Mantua.
Retablo
de San Zenón
ANÀLISIS
Realiza
un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona en su taller de Padua la cual
es enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el
primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una
disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un
remate a modo de frontón semicircular.
En
el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por
los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la
predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la
Resurrección de Cristo.
Es
perfectamente observable en todo el conjunto como Mantegna se ha desprendido
totalmente de cualquier rasgo de arcaísmo en favor de un gusto plenamente
moderno, caracterizado tanto por el naturalismo de los paisajes como por el
gusto plenamente clasicista de las arquitecturas.
Lamento
sobre Cristo Muerto
ANÀLISIS
Magnífico
estudio de anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi
escultórico, e intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de
una mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión
dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones
se acortan de forma brutal.
Se
determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la
pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la
textura de los pies descritos con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas
contrasta con el plegado de la tela
La
Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible
la parte inferior del rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su
boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y
que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada.
Escasos
toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud
monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda
descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos
tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el
pintor de cadáveres lacerados.
La
figura ha sido representada en un impresionante escorzo y reducida a un
tratamiento perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos
puntos, alterando la rígida estaticidad monofocal.
Leonardo
Da Vinci
Leonardo
Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en
Vinci “Italia” en 1452 y murió en Amboise “Francia” en 1519. Está considerado
un humanista universal y el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo
retuvo consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en
él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. Desde 1513 a 1516 vivió
en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel Ángel;
no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. Leonardo era un pintor
compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin
terminar. Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de
Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual
que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras
áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.
La
Gioconda
ANÀLISIS
La
técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm. La composición está
formada por dos planos, la Gioconda podríamos decir que forma una composición
triangular y el paisaje.
La
Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el
horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden
entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la
técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles pertenece
Renacimiento s XVI.
El
dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz
que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras que dan profundidad a
la obra.
La
Última Cena
ANÀLISIS
Es
una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de
la composición, estando Jesús en el centro del cuadro en sentido horizontal y a
su vez está justo en el punto de fuga de la perspectiva central. La técnica
empleada es de Temple y óleo sobre yeso.
Miguel
Ángel
Miguel
Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor renacentista de la época, nació el
6 de marzo de 1475 en Caprese, Republica de Florencia-Italia y murió en
Roma-Italia el 18 de febrero de 1564. Considerado uno de los mejores artistas
de la historia, debido a sus maravillosas esculturas, pinturas y obras
arquitectónicas, de Buonarroti si se conservan esculturas, pinturas y obras
arquitectónicas como es la Fachada de la Basílica de San Lorenzo en Florencia,
la Biblioteca Laurenciana donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la
sala de lectura, el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del
Capitolio, entre otras.
La
Conversión De San Pablo
ANÀLISIS
La
Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de Miguel Ángel, técnicamente es
un fresco (Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con
dos capas de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del Palacio
Apostólico en la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542, mide 6.25m de alto y
6.61m de ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en frescos, esta técnica
ya se apodero totalmente de él, pero en este fresco, la obra fue muy criticada,
debido a que las figuras huyendo en desorden no fueron bien recibidas.
El
Juicio Final
ANÀLISIS
Miguel
Ángel es el creador de una gran obra pictórica El Juicio Final o El Juicio
Universal, es un mural realizado al Fresco, para decorar el ábside de la
Capilla Sixtina en Roma en la Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de la
iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta semicircular pero
puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme conjunto pictórico que
mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de genero religioso cuyo tema es
extraído del Apocalipsis de San Juan.
Rafael
Sanzio
También
conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto
italiano. Su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo, su estilo es la
mejor expresión de la belleza ideal. Su aprendizaje la francesca, leonardo, y
m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor representa el sincretismo
renacentista.
Algunas
de sus obras: Retablo Baronci pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La
Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen
del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San
Pedro.
La
Escuela de Atenas
ANÀLISIS
Plantea
una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el
saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos
de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad,
Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la
que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la
especulación filosófica.
Expresa
también en esta obra la concepción propiamente renacentista de la obra
artística entendida como discurso mental, no sólo traducido de forma visible,
sino también como búsqueda de la "idea". Se ha querido ver en esta
pintura una representación de las siete artes liberales. En el primer plano, a
la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y
Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva
una continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como
protagonista al hombre. Platón y Aristóteles están en el centro ideal de la
perspectiva de toda la composición encuadrados en el fondo del cielo por el
último arco. A la izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado.
La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos
de Apolo y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los
sabios de la antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta
idea de continuidad entre el presente y el mundo antiguo.
Madonna de Belvedere “Madonna del Prato”
ANÀLISIS
Interpreta
de la belleza femenina a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el
encanto poético, sobre todo en sus obras de juventud.
Su
paleta cromática es luminosa y colorista, pero mesurada, buscando siempre la
complementariedad de los colores cálidos y fríos. Óleo sobre madera 113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena.
Tiziano
Vecellio
Pintor
italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del
que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La
concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo
con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de
manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje, no tardó en
convertirse en el artista más importante de Venecia.
Aunque
sus obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte
más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y
contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que
muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su
estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,
y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados.
Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de
pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y
dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran
trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados
por el propio pintor “poesías” por su carácter idílico y distante.
Amor
sagrado y Amor profano
ANÀLISIS
La
técnica que se utilizo es Óleo sobre lienzo en el año 1454, sus dimensiones son
118 x 278 cm Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese
Es
un desnudo femenino, manifestación natural en la plasmación del paisaje. La
mujer sentada lleva, de hecho, todos los ornamentos de una novia: el vestido
blanco, los guantes, el cinturón, y la corona de mirto, símbolo del amor
conyugal. La palangana en el borde de la fuente, parte integrante del ajuar
porque se utiliza después del parto y la pareja de conejos en el fondo
representan, sin embargo, el deseo de una unión fructífera. Inspirado en los
ideales de la doctrina neoplatónica, una de las principales interpretaciones
identifica a la mujer con el brasero en la mano con la Venus Celeste, imagen de
la belleza universal y espiritual y a la mujer vestida ricamente con la Venus
Vulgar, símbolo del poder generador y terreno de la naturaleza. Cupido,
sorprendido en el acto de verter el agua, representaría, por lo tanto, el amor
como un intermediario entre el cielo y la tierra. Revela una lectura en clave
moralista de la desnudez de la mujer a la izquierda que debe interpretarse, en
cambio, en el sentido clásico, como un canon de sencillez y pureza.
Venus
de Urbino “Venus del perrito”
ANÀLISIS
Técnica
que se utilizo fue óleo sobre lienzo en el año 1538, sus dimensiones son119 cm
x 165 cm. Ubicado en la Galleria degli Uffizi en Florencia.
Representa
a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete
veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves
reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la
ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando
ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja
de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia del
perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real,
aunque no se sabe exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la
fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque
esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del
Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del
Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la
joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez,
ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su
mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la
composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya
reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido
del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste
con el oscuro del fondo y el colchón, en efecto, el color oscuro del lienzo de
la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de
la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada
por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una
cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y
los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las
baldosas.
Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una
elegante línea oblicua.
Jacopo
Robusti il Tintoretto
Nació
el 29 de septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la profesión de
su padre que era tintador. Considerado, junto a Veronés, el representante más
importante de la Escuela Veneciana de la generación posterior a Tiziano.
Estudió
durante diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su
obra a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió
influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos en
1548, Academia, Venecia. Para la Scuola di San Marco en Venecia.
Tuvo
muchos aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas
aportaciones son a menudo muy difíciles de distinguir de sus propias obras.
Trabajó los contrastes de luz y sombra, las perspectivas, escorzos forzados y
grupos escenográficos.
Casado
con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolló entre su casa y su
estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori.
Tintoretto
falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.
El
lavatorio de pies
ANÀLISIS
Es una obra que representa en el lado derecho de la pintura,
mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante en el
mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro, al
fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra con
un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio
exterior de arquitectura.
La
última cena
ANÀLISIS
Es una obra, la mesa se dispone en una fuerte diagonal con
los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran parte del espacio, En
contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro presentan un aspecto
inacabado.
ESCULTURA
Las innovaciones escultóricas se gestan en la obra de
Nicola Pisano en el siglo XIII.
En
un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la
arquitectura. Más, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las
demás artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo
humano, utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los canones griegos.
El
hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo. Además,
la escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas,
tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.
El
bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal
progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas
por Lorenzo Ghiberti.
Si,
indudablemente, otros escultores notables merecen mención: Jacopo de la
Quercia, Nanni de Banco, Luca de la
Robia
Los
innovadores son: Donatello y Verrocchio, aunque, definitivamente, la escultura
del Renacimiento es dominada por el genio sin paralelo de Miguel Ángel.
Donatello
Nació en 1386 en Florencia, hijo de un
cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo
Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del
baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró
con Filippo Brunelleschi.
En
su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se
desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura
gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre
las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos 1411-1412, iglesia de
Orsanmichele, Florencia, San Jorge 1415-1417, Bargello, Florencia, san Juan
Evangelista 1413-1415, Opera del Duomo, Florencia y Josué 1418, campanile de la
catedral de Florencia. En el segundo periodo 1425-1443 predomina la utilización
de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica.
Hacia
1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y
arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos, entre los que se
encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi en la catedral de
Montepulciano. Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó
varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la
basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles
y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más
notable de este periodo, su David en bronce, primer desnudo exento de la
escultura renacentista.
Su
tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el
realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio; El
Gattamelata en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio y Judith
y Holofernes.
Donatello
falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466 Análisis de la escultura David
de Donatello. 1440.
ANÀLISIS
Esta
obra fue realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se
colocó en el patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue
expulsado de la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio,
sede de la señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo
del Bargello de Florencia.
La
textura de su superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el
aspecto de la piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo
cual además proporciona una cierta sensación de blandura y tersura.
La
escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el
contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen
totalmente con la ley de la frontalidad.
La
pose de la figura nos remite hacia una composición reposada y serena, casi
estática, mostrando una gran serenidad interior después de haber conseguido la
victoria sobre su rival.
La
composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la
imagen de un David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si
de un Dios olímpico se
tratara.
Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que adopta la postura
clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna
derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro
imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat
cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su
oponente.
El
Condottiero Gattamelata
ANÀLISIS
Realizada
en Bronce, 1447-1450. Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos
clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San
Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio
de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del
Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la
ejecución de las proporciones.
Se
trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la
literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el
animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente
hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por
lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir
el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera
hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio.
El
rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico,
fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.
Andrea
Verroccio
Andrea
di Michele di Francesco de Cioni nació en Florencia en 1435 y falleció en
Venecia en 1488, conocido simplemente como Verrocchio; hijo de Michele di
Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más
tarde, como recaudador de impuestos. Fue un pintor, escultor y orfebre
cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en
Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino,
Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó
en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino. Dentro de
sus principales obras son: Cristo y santo Tomás, Bronce, Orsanmichele,
Florencia. El bautismo de Cristo, óleo sobre tabla, 177 x 151 cm, Galería de
los Uffizi, Florencia.
El Bautismo De Cristo
ANÀLISIS
Realizada
en el año 1475 – 1478. Pintura al óleo sobre Tabla, sus dimensiones son 177 cm
× 171 cm, es realista y natural. Utiliza la triangulación, se atribuyen algunas
partes a Leonardo Da Vinci.
Virgen
Con Los Santos Juan Bautista Y Donato
ANÀLISIS
Realizada
en el año 1475 – 1483. Pintura al óleo sobre Tabla, sus dimensiones son 189 cm
× 191 cm, es realista y natural. Utiliza la triangulación.
Luca
della Robbia
Luca
Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió
en 1482. Según
Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se
encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado,
conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino
también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa
florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que
aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni,
considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.
Madonna
con el Niño
ANÀLISIS
Muestra
las dos figuras dentro de un nicho enmarcadas por un arco de medio punto. El
niño se muestra sosteniéndose sobre uno de sus pies con gesto cariñoso mientras
su madre le sostiene evitando así que caiga. Esta Madonna influirá mucho en las
pinturas que se realicen con el mismo tema en época contemporánea y
posteriormente, entre otros autores Fra Filippo Lippi seguirá este modelo para
sus pinturas.
La
Visitación
ANÀLISIS
Escultura
de tamaño natural que se encuentra en uno de los nichos de esta Iglesia de
Pistoia. Para muchos estudiosos es obra de su sobrino Andrea, en cualquier caso
parece una colaboración entre tío y sobrino con clara influencia de Il
Verrochio.
Giovanni
Bellini
Pintor
italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó
especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso
pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la
figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.
También
llamado Giambellino, nació en el seno de una familia de pintores; su padre,
Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un
importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia. Su
hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la
decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su
sultán.
Las
primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del
taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a
Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, su futuro cuñado, de
quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en”Oración del huerto de
los olivos”, y a quien a su vez enseñó la luz de la escuela veneciana. Bellini
era por entonces un gran paisajista, virtud que transmitió años después a los
discípulos de su taller.
Madonna
De La Pradera
ANÀLISIS
La
Madonna de la pradera, muestra a Jesús durmiendo en las piernas de la Virgen.
Es una pose natural, sin embargo, se anticipa a la Piedad, en la que su cuerpo
muerto se sentó en el regazo de su madre. El paisaje muestra las tierras de
cultivo y colinas fortificadas de las provincias de la parte continental de
Venecia. A la izquierda de la Virgen a un pájaro que vadea, posiblemente una
grúa, ataca una serpiente. Esto puede tener como objetivo simbolizar la lucha
del bien y del mal. El buitre en el árbol puede ser un símbolo de la muerte. La
pintura ha sido trasladada desde el panel de lienzo y está dañado en algunos
lugares.
La
Sangre Del Redentor
ANÀLISIS
En
esta obra de Bellini, Cristo se muestra como el Redentor. El Panel puede haber
servido como la puerta de un sagrario, en la que el vino y el pan de la misa se
mantuvieron. Cristo se muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los
Dolores, cuya sangre salva al mundo del pecado. Él lleva a cabo su cruz, con la
corona de espinas. Un ángel le llama la sangre en un cáliz, como las que se
usan en la Misa. El parapeto relieves que ilustran antiguos rituales paganos y
puede tener un significado para el significado de la pintura, pero ninguna
teoría convincente sobre esto todavía no se ha avanzado. Antes de limpiar, en
1978 hubo un suelo de baldosas ininterrumpida, incluyendo un poco de
aceite-pintura sobre originales de Bellini temple de huevo. Limpieza eliminado
estas adiciones. Los parches desnudos de yeso, o de tierra, fueron pintados
originalmente como nubes con ángeles rojos y azules con mucho oro. No sabemos
por qué o cuando se retiraron los ángeles, pero sin duda se hizo después de
Bellini terminó la obra.
Giorgione
Giorgio
Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, pintor italiano,
representante destacado de la escuela veneciana.
Es
una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de
su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de
atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que
completaron otros pintores. Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el
taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación
con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo
para la sala de audiencias del palacio ducal y los frescos exteriores del
Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Se le considera el inventor
del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del
estado de ánimo del artista.
La
tempestad
ANÀLISIS
Resume
todas las claves del "giorgionismo". Es un cuadro del que se
desprende una profunda sensación de misterio. En este cuadro todo parece casual
los personajes no dominan, ni por su escala ni por su posición, el paisaje, no
gobiernan la estructura del cuadro; tampoco la naturaleza aparece sometida a
una disposición rígida según las leyes de la perspectiva cuatrocentista. Por
primera vez la naturaleza no es un telón de fondo y ni siquiera el campo de
acción de la historia o del mito, sino que asume un nivel de protagonismo
idéntico al de ellos. Y es que La tempestad tampoco es un paisaje con figuras.
Es inquietante como relaciona los personajes con el paisaje de la naturaleza
que se encuentra tormentoso, mientras los personajes se mantienen tranquilos
sin preocuparse de la naturaleza como si nada pasara.
Venus
dormida
ANÀLISIS
Es
la última obra que Giorgione pinto antes de fallecer, no fue terminado por él,
pero en el cuadro podemos apreciar la técnica de paisajismo emocional que el
creo, por la forma de las nubes y la forma en como oscuras el panorama de las
casas, se puede ver una técnica delineada tanto en el paisaje como en la diosa
acostada, nos deja apreciar la forma en la que descansa indiferente a lo que
pase en la naturaleza, sin preocupación y separada de la pequeña aldea como
símbolo de superioridad o indiferencia al pueblo, la forma en como utiliza los
colores claros en la diosa como símbolo de divinidad y el rostro tranquilo descansa
sobre su brazo, mientras su mano se encuentra en la ingle como demostrando un
toque de pureza.
Correggio
Poco
es lo que se conoce acerca de las circunstancias personales de Antonio Allegri.
Oriundo de la localidad de Correggio su sobrenombre deriva prácticamente de este
hecho, nace a finales del siglo XV las fechas están entre 1489 y 1493 ya que no
se sabe exactamente su fecha de nacimiento, disfruto de una breve vida ya que
murió en 1534
La
obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el
prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la
misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y
responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este
caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. La fama de Correggio
se consolida a partir de la tercera década del siglo XVI, recibiendo encargo
por parte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II.
Adoración De Los Pastores
ANÀLISIS
En
esta obra de Correggio podemos apreciar una pintura un poco oscura que tiene un
foco de luz en el niño Jesús que se encuentra en las manos de María creando así
un efecto singular entre el contraste de luces y sombras. Los rostros alegres,
sonrientes de los pastores, San José y María demuestran claramente el estilo
carismático o dulce que tenía Correggio. Podemos apreciar que se rompe la
simetría del renacimiento al desplazar la imagen del centro hacia la derecha y
entrando a algo típico que se verá en el Manierismo.
Leda Y El Cisne
ANÀLISIS
Forma
parte de un conjunto de cuatro lienzos que el duque de Mantua, Federico Gonzaga
encargó al pintor con una temática mitológica en el que el pintor Corregio
narra la historia de Leda, la joven y bella esposa de Tindáreo a la que Zeus
poseyó en el río Eurotas adoptando la forma de un hermoso cisne. Podemos
apreciar que el artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia
en un mismo espacio, así establece en el centro la unión entre Leda y cisne.
Podemos ver una sensualidad en la pintura propia de la época acompañada de
moderación y elegancia. Podemos observar que la pintura está fuera del
renacimiento ya que los personajes no se encuentran delineados y la pose de
Leda. Observamos que al lado derecho también se encuentra Leda desnudándose, y
al final rechazando con sus gestos al hermoso cisne.
Alberto
Durero
Pintor y grabador alemán. Fue sin
duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde
ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo
renacentista a través de sus grabados.
Se
formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a
través de su padre, orfebre y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de
su ciudad natal. Al concluir sus estudios realizó un viaje a diversas ciudades
de Alemania y Venecia 1494, ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507, en la
cual recibiría influencia de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar
los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio, abrió un
taller en su ciudad natal de pintura y grabado.
Después
de su estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones, en las
que incorporó la riqueza del colorismo veneciano, tal era su fama que fue
nombrado pintor de corte del emperador Maximilano I 1512, también Carlos I lo
reclamó. Alberto Durero le gustó retratarse a sí mismo desde la temprana edad
de trece años. Durante los últimos años de su vida, Durero reflejó los
numerosos estudios sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura
humana.
Adán
y Eva
ANÀLISIS
Es
una pintura realizada por el artista Alberto Durero, están pintadas a óleo
sobre tabla. Datan del año 1507, ambas miden 209 cm de alto, una mide 80 cm y
el otro 81 cm, se atribuye una influencia gótica e incluso un poco de
manierismo.
Se
representa en dos tablas independientes, en la que Adán se representa en un
fondo oscuro, de manera que se centre la figura humana masculina que está de
pie. Eva se presenta en una postura distinta, se presente de frente adelantando
la pierna derecha, el rostro de Eva es más claro que el de Adán y aún desprende
inocencia.
Autorretrato
de Alberto Durero
ANÀLISIS
Autorretrato
realizado en 1500, elaborado con óleo sobre panel de madera. Sus dimensiones
son 67 cm de largo y 49 cm de ancho se lo conoce también como Autorretrato con
traje de piel, se representa sosteniendo una flor en su mano derecha.
El
fondo oscuro da un efecto de silencio, el rostro de Durero sobresale
dramáticamente, la luz que posee es poca pero llega del lado izquierdo del
cuadro y es el único espacio que alumbra la escena. A este cuadro se otorga
realismo y detallismo, a la vez que no es simétrico esto se sabe gracias a la
luz que solo llega a un lado.
Grunewald
Matias
Pintor
e ingeniero hidráulico alemán, nace en Wurzbugo, actual Alemania en el año de
1470, y muere el 31 de agosto de 1528 en Halle. Su nombre originalmente fue
Matthias Grunewald, sin embargo un escritor del siglo XVII, Joachim Von
Sandrart, lo identificó erróneamente con el apellido Grunewald, su nombre no
fue descubierto hasta los años 1920. Su fecha de nacimiento no está
clarificada, pero se cree que sería hacia finales del siglo XV, ya que su
primera obra fechada es de 1503. Pintó principalmente obras religiosas,
especialmente escenas de crucifixión, las cuales eran sombrías y llenas de
color. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y
el tratamiento de la luz, así también como su intensidad cromática y la
agitación de la línea.
Trias
Romana
ANÀLISIS
Sus
dimensiones son 19.9cm x 27.2cm. La técnica utilizada es Tiza sobre papel.
Se
trata de una obra de la época del renacimiento, la cual presenta una
composición cerrada, con cierta centralidad ya que se trata de tres cabezas que
parecen descansar sobre un solo cuello, sobre un solo punto de donde estas
crecen. Nos encontramos también con una pintura lineal, la primera cabeza está
representada como solían aparecer los sacerdotes en las caricaturas de la
época. La verruga que aparece en la nariz parece referirse a la sífilis,
enfermedad que por entonces hacía muchos estragos. La cabeza menos clara
representa una cierta esperanza, esperanza de salvación.
Escarnio
de Cristo
ANÀLISIS
Sus
dimensiones son 109cm x 73.5cm. La técnica empleada es pintura a temple y óleo.
Se
trata de una pintura de la época del renacimiento. Es una pintura con una
composición central, la cual utiliza una cromática vivaz, con colores vívidos.
Utiliza escenas religiosas, las cuales están representadas por una pintura
lineal, utilizando de cierta forma la perspectiva. En la pintura se representa
a Jesús de Nazaret, el cual está con los ojos vendados y brazos atados. Recibe
indefenso los golpes otorgados por unos siervos.
Cranach
Lucas
Renacentista
alemán. Las primeras obras conservadas de este artista datan de 1502 y coinciden
con su estancia en Viena, donde cambió su nombre por el de su ciudad natal. De
aquella época datan varios cuadros suyos de asunto religioso, de expresividad
muy acentuada: las dos Crucifixiones, la de 1500 y la de 1503. La tabla Alto en
la huida a Egipto destaca, en cambio, por su amplia concepción idílica. En
1505, llamado por el elector Federico el Sabio de Sajonia, se trasladó a
Wittenberg, ciudad en la que permaneció hasta 1550 como pintor de la corte, y
en donde destacó, además, como ciudadano, llegando a ocupar diversos cargos. Se
convirtió asimismo en el representante artístico de la causa protestante con su
serie de retratos de Martín Lutero y su círculo, aunque el retrato del
arzobispo de Maguncia, Alberto de precisamente son los retratos lo que más
caracteriza la obra de Cranach, como el del Duque Enrique el Piadoso y su
esposa Catalina y el Autorretrato que se encuentra en los Uffizi. Entre otras
obras de esta época son de destacar El martirio de Santa Catalina, El juicio de
Paris, Cacería en Torgau y sus versiones de Adán y Eva. Brandeburgo, demuestra
que no había roto con las destacadas figuras del catolicismo.
Venus
y Cupido
ANÀLISIS
Técnica
empleada óleo sobre tabla en 1534, sus dimensiones son 49,5 × 34 cm su ubicación
en el Museo Nacional Bávaro
Fränkische
Galerie Kronach
Lucas
Cranach el Viejo
Fecha
1537
Técnica
Óleo sobre tabla
Dimensiones
72 x 49,6
Ubicación actual
Amsterdam Fridart Stichting
Baldung
Grien
Pintor
y dibujante renacentista nacido en Alemania 1484 y fallece en Estrasburgo en
1545. Se formó en Alsacia bajo la influencia de Schongauer. Hacia 1502 se
traslada a Nuremberg, y comienza a trabajar como aprendiz en el taller de
Alberto Durero. Su estilo es realista, aunque enormemente imaginativo y
personal. Muestra una marcada propensión a utilizar el color verde y muchas de
sus escenas de tema religioso están impregnadas de una luminosidad misteriosa y
sobrenatural. Hizo muchos dibujos, xilografías, aguafuertes, grabados. Son
numerosos sus bocetos para vidrieras, algunas de las cuales fueron ejecutadas
bajo su dirección para la catedral de Friburgo.
Las
tres gracias
ANÀLISIS
Se
presentan dos jóvenes semidesnudas en pie, con los atributos de los sentidos y
el conocimiento: la música y los libros. Tres niños desnudos llevan un cisne y
una partitura, como si fueran geniecillos del amor. Por último, el símbolo del
pecado, la serpiente, se enrosca a su lado en el tronco de un árbol. Al
reverso, una inscripción reza en latín la dedicatoria del cliente al amigo que
lo ha de recibir como regalo.
Se
aplica la técnica de óleo sobre tabla. El formato se encuentra vertical, donde
la tensión de la vista se centra en la parte superior, cuyas formas son
delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema compositivo es un triángulo
con equilibrio compositivo de peso por tamaño. Tiene simetría axial. En los planos
se ve Dos jóvenes semidesnudas sostienen un libro, en el que lee una de ellas.
Una tercera joven a la derecha, sostiene un laúd en la mano y tiene una viola a
sus pies. Completan la escena tres niños desnudos, el de primer término con un
cisne y un papel de música. Una serpiente enroscada al árbol del fondo completa
esta representación alegórica, de complicada lectura, alusiva a los placeres de
la vida: belleza, música, libros. Su interpretación se esclarece a la vista de
su compañera. Se utiliza colores cálidos y aplica la luz con colores claros.
Las
edades y la muerte
ANÀLISIS
De
simbología acorde con la religiosidad del monarca, la tabla nos muestra a las
tres edades del hombre la infancia, juventud y madurez, que no pueden escapar
de su destino inexorable. Como en un macabro paso de baile, dos figuras
femeninas, de canon estilizado, giran sus cabezas y cuerpos dando la espalda a
la Muerte; pero enlazadas por los movimientos de sus brazos, no pueden evitar
ser arrastradas hacia sí por este último personaje, quien sujeta entre sus
manos un reloj de arena y la lanza quebrada de la vida. A sus pies, un niño
pequeño duerme plácidamente, ajeno todavía a su sino.
Formato
ubicado verticalmente. La tensión visual se encuentra desde el centro. Tiene
formas definidas por lo tanto son cerradas, con perspectiva. El esquema
compositivo es el triangulo con equilibrio de peso por tamaño. Con simetrías
acial. Las figuras se encuentran en primer y segundo plano. Los colores
utilizados son cálidos.
Hans
Holbein
Hans
Holbein el Joven, fue un artista e impresor alemán que se enmarca en el estilo
llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros
del retrato del siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda
reformista, e hizo una significativa contribución a la historia del diseño de
libro. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama "el
Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado
pintor de la escuela gótica tardía.
Hans
Holbein fue el más cosmopolita de los pintores renacentistas alemanes.
Aprendió
pintura en Baviera trabajando en el taller de su padre, convirtiéndose en el
retratista más importante de Alemania. La Reforma de Lutero empujó a Holbein a
emigrar a Londres en 1526. Una carta de recomendación de Erasmo de Rotterdam le
abrió las puertas de la corte de Inglaterra, donde trabajó como retratista.
Los
retratos de Holbein se caracterizan por su realismo en los detalles, su
excelente penetración psicológica y el dominio del color. Por todo es
considerado el mejor retratista alemán de todos los tiempos.
Los
Embajadores
ANÀLISIS
El
cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville y Georges de Selve, es una
pintura de Hans Holbein el Joven, actualmente en la National Gallery de
Londres. Es una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente
importante por sus resonancias históricas, por su riqueza simbólica y por su
excelencia plástica, incluye un raro objeto en primer plano que fue algo misterioso
durante mucho tiempo. Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis
Baltrusaitis, descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura
es lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una
anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.
El
Cristo Muerto
ANÀLISIS
Sus
dimensiones son 30,5 X 200 cm. La técnica empleada es oleo sobre tabla en el
año1521. La ubicación actual es el Museo de Bellas Artes de Basilea.
Es
una representación de un hombre realmente muerto, del Cristo abandonado por el
padre y sin promesa de la resurrección. Julia Kristeva, Fragmentos para una
historia del cuerpo humano.
Un
peculiaridad dentro de esta obra es la mano derecha de Cristo, es una mano en
tensión con fuerza que toca literalmente la sábana como indicando algo. La mano
parece tener vida.
Pieter
Brueghel
Pieter
Brueghel nació en el año de 1525 en Brenda, Países Bajos y murió el 9 de
septiembre de 1569, Región de Bruselas Capital, Bélgica. Llamado “El Viejo” fue
un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel,
es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante
pintor holandés de ese siglo; está considerado como una de las cuatro grandes
figuras de la pintura flamenca. Fue aprendiz de Pieter Coecke van Aelst,
artista cultivado, decano del gremio de artistas, a la vez pintor y arquitecto
y con cuya hija Mayke terminó casándose. Prácticamente desconocido en su etapa
de formación. Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo
trabajar con el miniaturista Giulio Clovio. Permaneció una temporada en el
taller de un maestro siciliano. Algunos de los cuadros que ilustran este viaje
son Combate en el puerto de Nápoles, la escena de La caída de Ícaro y El
suicidio de Saúl, así como algunos dibujos. Entre 1555 y 1563 se estableció en
Amberes, donde trabajó para el editor Hieronymus Cock, haciendo dibujos
preliminares para una serie de grabados. En 1564 nació el primogénito de sus
hijos, Pieter Brueghel el Joven.
Paisaje
Con La Caída De Ícaro
ANÀLISIS
Técnica
que se empleó pintura al óleo sobre lienzo en el año 1554-1555. Sus dimensiones
son 73.5 x 112. Uso de la Perspectiva y uso de la difuminación en el color.
El
Combate Entre Don Carnavall Y Doña Cuaresma
ANÀLISIS
La
técnica que se empleo es la pintura al óleo sobre Tabla en el año 1559, sus
dimensiones son 118 cm × 164 cm. Uso de la Perspectiva, es realista y natural.
Uso de pinceladas particulares que ensalzan la diagonal.
